Los festivales de animación proliferan más que nunca, y es que son una buena ocasión para conocer, sobre todo, las últimas tendencias artísticas de un medio que ha sabido combinar las técnicas tradicionales con las herramientas digitales. Y la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria es todo un referente español, en lo que a festivales de este tipo se refiere. Vuelve El Festival Internacional de Cine de Animación, Efectos Especiales y Videojuegos ANIMAYO 2012, del 9 al 13 de mayo.
La séptima edición del festival, encabezada por el director y productor Damián Perea, hace un recorrido por la más actualizada selección de trabajos de animación y efectos especiales de artistas de todo el mundo. Todo un punto de encuentro para el debate entre profesionales y aficionados de las artes visuales.
La programación que ofrece esta edición es mucho más completa y formativa que en años anteriores, más de 200 cortometrajes a concurso, 17 master class, cursos, proyecciones, talleres, exposiciones, actividades al aire libre e invitados internacionales de excepción; como los animadores Alberto Corral y Alexander Pretov (El viejo y el mar), los gurús de los efectos especiales Pablo Giménez y Roger Kupelian (El señor de los anillos), el artista digital visual Patryk Kizny, el diseñador de personajes Carlos Grangel y la diseñadora de vestuario Alina Khanjian (los cuales aprovecharan su vista para dar consejos). Además, cuenta por primera vez con ‘Cut Out’ – una selección que ha llevado a cabo el festival Mexicano invitado en primicia para la ocasión – y el salón ‘Anigogatsu’ centrado en la animación japonesa y el entorno cultural que lo rodea.
Pero no sólo es un espacio de expresión artística, sino un punto de encuentro tecnológico puesto a disposición de la industria, dando un enfoque hacia el desarrollo tanto formativo como económico.
Este festival nacional – bajo el nombre de Animayo Itinerante – fue presentado en la ciudad de Los Ángeles (California) para convertirse en el primer festival español que establece una base en la meca del cine y ser presentado en las escuelas de animación de mayor prestigio. La puerta que se ha abierto en el sector estadounidense hace posible el acuerdo de una convocatoria anual de Animayo en Los Ángeles. Itinerancia, que no queda en Los Ángeles, pues el próximo año 2013 está previsto establecerse en otras ciudades como Madrid o Berlín.
Sin duda, el archipiélago canario resulta el escenario y el entorno ideal para favorecer la creatividad e innovación para este mes de mayo.
Canas, arrugas, pérdida de capacidad visual, degeneración de estructuras óseas… de esta manera la entropía hace que la vejez nos alcance a todos tarde a temprano. Sin embargo, es bien sabido que el envejecer más que un proceso degenerativo es un estado mental. La clave es mantener un espíritu joven, y eso es lo que trata de demostrar la comedia musicalForever Young, que vuelve al Teatro Poliorama de Barcelona para hacer una segunda temporada improrrogable durante el mes de abril, para después arrancar una gira por varias ciudades españolas hasta el mes de octubre.
Este musical atípico escrito por el suizo Eric Gedeon y adaptada por Tricicle, quienes producen y dirigen esta historia desarrolla en una residencia de la tercera edad, vuelve a la palestra tras 4 meses de éxito en la ciudad condal.
Tricicle hace todo un brindis a aquello del carpe diem a través de la historia de siete ancianos ex–artistas, que aún mantienen un espíritu joven y rockero del que hacen alarde en el geriátrico donde viven. La versión del trío cómico ha modificado parte del repertorio musical original, han rehecho tres de las canciones originales en alemán y algunas otras han sido sustituidas debido a problemas con los derechos de autor. Aún así, el musical conserva clásicos como el I will survive, de Gloria Gaynor; You can leave your hat on, de Joe Cocker; o, cómo no, Forever young, de Alphaville. Además, incluye un guiño a dos décadas de música española.
Sus protagonistas, jubilados artistas, están representados por un elenco de jóvenes actores y actrices que intervienen y cantan, haciendo de sí mismos con unos años más. María Adamuz, Jacobo Dicenta, Dulcinea Juárez, Armando Pita, Edith Salazar y Rubén Yuste dan vida al himno del musical, y los pianistas Marc García Rami y Marcos Cruz ponen las notas.
Un espectáculo hecho con mucho cariño, en el que la parodia a la vejez no hace más que engrandecer esa etapa de la vida. Tanto es así, que el Teatro Poliorama ofrece a los abuelos mayores de 65 años la entrada gratis si van acompañados de un nieto/a (estos sí pagan la entrada).
Da igual la forma en que se manifieste, todo el mundo habla, maldice y hace chistes sobre ella: la crisis. Pero en toda crisis hay oportunidad. Eso debían pensar los artífices de Atlántida Film Festal lanzar a la red un festival de cine. La segunda edición de esta iniciativa secunda que hay oportunidades en estos tiempos revueltos para el cine.
Sin moverse de casa, desde el4 de abril y hasta el4 de mayo se podrá disfrutar del festival de cine online Atlántida Film Fest, dirigido por Jaume Ripoll, a través del portal de descargas Filmin . El festival ayuda a difundir trabajos de alta calidad que no han tenido una comercialización generalizada en España, dada la enorme oferta cinematográfica y la escasez de salas que hacen dejar por el camino creaciones espectaculares. Además, esta segunda edición encierra una novedad, su hilo conductor. El común denominador del festival son los personajes que lo protagonizan. “Gente de entre 20 y 30 años con crisis de pareja, crisis laboral, crisis política… Sin tener, eso sí, una mirada aburrida ni negativa. No es un festival nada denso sino todo lo contrario”, asegura Ripoll.
El festival cuenta con dos vertientes, la ‘Sección oficial’ y la ‘Sección Atlas’. La primera ofrece 12 largometrajes nacionales o de habla española, como Zona sur que triunfó en Sundance, Puzzled love en el festival de San Sebastián, Amanecidos en Sitges o Crebinskyen Málaga. Terminado el plazo para el visionado de las películas se premiarán dos con su estreno en salas de cine, edición en DVD y distribución en Europa. Uno de los premios lo otorga el propio público a través de las votaciones – que se pueden hacer en la web -. El otro galardón lo otorga el jurado, compuesto por Kike Maíllo (director de cine), Ángel Sala (responsable del festival de Sitges), Mónica Carmona (editorial Mondadori) y Violeta Kovacsics (crítica de cine).
La segunda vía es la ‘Sección Atlas’, que ofrece 14 películas fuera de concurso, con representación internacional australiana, danesa, camerunesa, griega, entre otras muchas.
Iniciativa que aunque resulte novedosa, no lo es. De hecho, no es el único certamen que se visiona en la red estos días. Desde el pasado 27 de marzo hasta el 16 de abril el Iber.Film.América – organizado por filmotech.com – se proyecta con el mismo fin ofreciendo de forma gratuita 14 producciones iberoamericanas a través de la web www.iberfilmamerica.com.
Todos los títulos son films realizados entre 2009 y 2011, que han participado en festivales o tienen el reconocimiento del público y de la crítica, como Guest, de José Luis Guerín,Boleto al paraíso, de Gerardo Chijona, Pescador, de Sebastián Cordero oLos colores de la montaña, de Carlos César Arbeláez.
La peculiaridad de este es que todos los países de habla hispana de América pueden verlos y participar. De igual modo, se otorgan dos premios, uno concedido por los internautas a través de redes sociales y el otro por concedido por un jurado profesional. El ganador del festival recibe 3000 dólares y el director viaja al Foro Iberoamericano de Panamá, que organiza Egeda del 24 al 27 de abril.
Este es el cine de hoy, un forjador de oportunidades. Y en estos días se puede disfrutar de él sin moverse del sofá.
El autor de la premiada y exitosa Mad Men,Matthew Weiner, prepara su primera película You Are Here. El estreno de la quinta temporada de la serie y el anuncio de su próxima película hacen crear una gran expectación. Esta película supone su debut en la dirección de un largometraje – el guión también corre de su cuenta -. Los protagonistas serán Owen Wilson (“Midnight in Paris”) y Zach Galifianakis (“The Hangover”) y está a la espera la confirmación de Amy Poehler (“Baby Mama”) en el reparto. El film comenzará a rodarse en mayo en Carolina del Norte.
La primera de Weiner trata sobre el viaje por EE.UU. de dos amigos de la infancia, después de que uno de ellos reciba la herencia de su difunto padre.
Para quien creó Mad Men y fue guionista y productor ejecutivo de The Sopranos es todo un sueño hecho realidad comenzar un proyecto en el que lleva trabajando 8 años.
Espera que el film no quede fuera de la parrilla, como pasara con la renovación de Mad Men tras el tira y afloja que mantuvo con la cadena AMC. Y es que, la serie quedo en ‘stand by’ 17 meses, desde que en octubre de 2010 la cuarta temporada se despidiera con demasiados frentes abiertos. Por fortuna, las negociaciones fueron fructíferas y su futuro está asegurado por tres años más, o lo que es lo mismo hasta la séptima temporada. La quinta temporada, sin duda, ha despertado una gran expectación.
En esta nueva temporada se aprecia el parón forzoso del rodaje. Hasta el punto en que el arranque de la nueva temporada abre con un lapso indefinido de tiempo que lanza al espectador de cabeza dentro de la serie, como si pillara el episodio empezado. E incluso parece haber dejado a todos los personajes descolocados. “Don es un hombre con un pasado y queda mucho por explorar de ese pasado”, anticipa Jon Hamm (Don) para esta temporada.
Mad Men volvió domingo a la parrilla de AMC. Canal + pre-estrenó esta quinta temporada el pasado lunes en un cine de Madrid, antes de su emisión a partir del 20 de mayo. Ahora, esperar que Weiner muestre un producto cinematográfico tan exitoso como a los que acostumbra en la pequeña pantalla.
La comedia francesa, que ya hizo saltar por los aires la banca de su audiencia, parece que está cayendo bastante bien en nuestro país. El filmIntocable ha recaudado en España durante su segundo fin de semana 1,56 millones de euros, una grandiosa cifra a la que no está muy acostumbrado el cine francés que se estrena aquí. Y todo apunta a que el boca a boca hará crecer todavía más la taquilla del film.
Intocable, dirigida por Eric Toledano y Oliver Nakache y protagonizada por François Cluzet y Omar Sy, está inspirada en un hecho real, narra la convivencia entre un parisino burgués tetrapléjico (Cluzet) y su asistente (Sy), un joven que procede de un barrio humilde.
Cuando en el año 2003, ambos directores se toparon con la historia de Philippe Pozzo di Borgos no pudieron abandonarla. “Nos impactó, teníamos que contarla” dicen. Este hombre queda tetrapléjico tras un accidente de parapente a los 43 años, y tres años después su esposa fallece y el dolor le sume en una depresión de la que consiguió salir gracias a su enfermero, un joven argelino, Abdel Sellou, que le devolvió las ganas de vivir.
Pozzo di Borgo hizo de su catástrofe personal una obra, y en 2001 escribió libro sentido y exitoso, ‘Le second souffle’ (que ahora reedita con un añadido, ‘El demonio de la guarda’, Anagrama). Un año más tarde el realizador J. P. Devillers convirtió esta historia en un documental (‘À la vie, à la mort’, 2002), y este año ve la luz en la gran pantalla de la mano de Toledano y Nakache.
Sus creadores repiten que su única pretensión era contar la relación aparentemente insignificante de dos hombres perdidos y solos que confluyen en un tiempo y un espacio. Habla de la historia de dos personajes: uno sano y vital, pero socialmente limitado, y otro socialmente influyente, pero discapacitado físicamente. Pero sobre todo habla de “gente que en situaciones extremas no pierde el humor ni el optimismo”.
La crítica ya ha hecho de las suyas agraciándola con todo tipo de elogios desde clasista y racista hasta hilarante y tierna, e incluso ha hecho del film una versión a caballo entre ‘Paseando a MissDaisy’ y ‘El discurso del rey’. Lo cierto es que está cosechando éxitos en toda Europa, que va camino de los 30 millones de espectadores en Francia (‘Titanic’ o ‘Bienvenidos al norte’ tuvieron 20 millones) y de los 250 millones de dólares de recaudación, y que Omar Sy recibió la semana pasada el César al mejor actor por su papel en la película. Ahora su objetivo es EE UU (donde se estrenará en mayo) ¿tocará la “intocable” a los americanos?.
El lunes se despidió al compositor Robert B. Sherman, que junto a su hermano Richard Sherman, creó muchas de las famosísimas canciones del mundo de la animación y del cine hollywoodiense, e hizo bizquear a más de uno con aquella canción a modo de trabalenguas: Supercalifragilisticoespiralidoso. Las bandas sonoras de Mary Poppins, El libro de la selva o Chitty chitty bang bang le llevaron a “oscarizar” su carrera y a recibir la Medalla Nacional de las Artes de Estados Unidos.
Este neoyorkino, hijo de emigrantes judíos de origen ruso, además de compositor fue pintor, escultor, guionista, poeta, novelista y soldado. Sherman comenzó con 16 años escribiendo programas de radio y musicales, y tras combatir en la Segunda Guerra Mundial, comenzó con su hermano Richard su carrera como compositor. Llegaron a formar su propio sello: Music World Corporation, y con la treintena alcanzaron el éxito gracias a la canción Tall Paul. Aquella canción de poco más de un minuto de duración, interpretada por Annette Funicello, llamó hasta tal punto la atención de la factoría de Disney que les ofreció unirse a la compañía.
En el año 1964 crearon la sintonía Its A Small World (After All) para la Feria Mundial de Nueva York, y hoy forma parte de la sintonía que se escucha en los parques temáticos Disney. Al año siguiente, con la creación de la banda sonora de Mary Poppins, se hicieron con dos de los cinco oscars que el film obtuvo: Mejor Banda Sonora y Mejor Canción Original por Chim Chim Cher-ee, interpretada por Dick Van Dyke. Los premios Grammy también galardonaron la pieza Feed the Birds.
Más tarde, en 1967, compusieron Trust in Me, Colonel Hathis March e I Wanna Be Like You para El libro de la selva, a esta la sucederían Los Aristogatos, y otras con las que recibieron seis nominaciones a los Oscar: La bruja novata y Chitty Chitty Bang Bang –su primera película fuera de Disney –.
Su larga trayectoria llega hasta el año 2000 con películas como La telaraña de Carlota, Tom Sawyer, Huckleberry Finn, entre muchas otras.
A parte de su gran legado musical, Robert también deja una herencia artística en la pintura, a la que dedicó más de media vida. De hecho, el pasado año sus trabajos fueron expuestos en diversas galerías londinenses y estadounidenses.
El verano está a la vuelta de la esquina y con él los Juegos Olímpicos de Londres 2012, para los que se están puliendo hasta el mínimo detalle. Como en cada evento olímpico la música resulta una pieza fundamental de su engranaje. En este caso Mark Ronson − productor entre otros de Adele y Amy Winehouse − y Katy B son los encargados de poner banda la sonora a los Juegos de este año.
Anywhere in the World, será el himno. Ronson utilizó técnicas innovadoras de grabación mientras recorría el mundo para capturar los sonidos reales de nuestros atletas embajadores: cinco aspirantes olímpicos elegidos por su agilidad deportiva y sus historias inspiradoras. Katy B pone la voz, María Espinoza (México) el Taekwondo, Kseniya Vdovina (Rusia) la velocidad, Darius Knight (Gran Bretaña) las pelotas de ping-pong, Dayyan Jaffar (Singapur) el tiro al arco y David Oliver (EE.UU.) el salto de obstáculos. Esta mezcla le da al tema un sonido moderno pero clásico y, sobretodo, lo hace muy universal, dado que − a su vez − forma parte de la campaña publicitaria de una conocida marca de refresco.
La campaña Move to the Beat da nombre a la iniciativa más grande que se realizado para esta celebración, en los 84 años de asociación e historia que tiene la marca con el Comité Olímpico Internacional. La campaña ya ha empezado a sonar en la red, el himno se dará a conocer en mayo.
Que la música, los deportes y la publicidad hablen por sí mismos. Aún así, ninguna superará el Barcelona de Freddie Mercury y Montserrat Caballé. Aquí el alucinante trailer Beat 2012.
Anoche el Teatro Real de Madridtrajovientos caribeños que persistirán hasta el día 23 de febrero en la capital, de la mano de Danza Contemporánea de Cuba−la primera agrupación cubana que pisa dicho escenario−. El eclecticismo y pluralidad del colectivo darán buena cuenta de la danza contemporánea caribeña,en su penúltimo espectáculo de la temporada, en Madrid, Bilbao y Barcelona.
La compañía se remonta al año 1959, cuando comenzó en La Habana como Conjunto Nacional de Danza Moderna, bajo la dirección del pionero Ramiro Guerra. Este visionario de la danza decidió apostar por cánones innovadores de Martha Graham,para entremezclarlos con la energía y el sabor de aquella Cuba.
El actual director de colectivo, Miguel Iglesias −tras más de 20 años en el cargo− mantiene el espíritu que caracteriza a la compañía y apuesta por la pluralidad. Integra la esencia cubana con las tendencias de la danza en el mundo, entremezclando sonidos y movimientos de tradición española con el folklore africano.“El programa que traemos a Madrid es una prueba. Tenemos a un coreógrafo catalán, otro holandés y un cubano, todos de distintas tendencias” confiesa Miguel. Por ello en una sola velada tienes la impresión de haber visto tres compañías distintas.
Un amplio abanico de creadores da forma al montaje de las piezas. Rafael Bonachela, creador catalán hoy al frente de la Sydney Dance Company, ofrece Demo-n/Crazy, obra creada en exclusiva para ellos a partir de la improvisación. El holandés Jan Linkens aporta una pieza más neoclática: Foliá, y del joven cubano George Céspedes, bailarín de la compañía, pura adrenalina y sensualidad caribeña con Mambo 3XXXI. Pero para el cierre de su gira española en Barcelona reservan la premier de Casi, una pieza que recientemente creó para ellos el coreógrafo vasco Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola, de la reputada compañía berlinesaSasha Waltz & Guests.
El repertorio que nos ofrece viene avalado por los éxitos en festivales y teatros de París, México, Londres, Verona o Sao Paulo.
La proyección de la compañía cubana se presenta asombrosa, tanto, que desde Inglaterra Javier de Frutos ya ha mostrado su interés por crear para ella y el coreógrafo de la vanguardia belga, Sidi Larbi Cherkaoui, les hará la creación para el año 2013.
De momento, podemos disfrutar de ellos en nuestro país hasta el hasta el 23 de febrero en el Teatro Real (Madrid), los días 25 y 26 de febrero actuarán en el Teatro Arriaga (Bilbao) y del 1 al 4 de marzo en el Mercat de les Flors(Barcelona).
'Ruedas, tiritas y piruletas' de María Medel (2008)
Si hablamos de cine animación pensaremos, lo más probable, en nuestra infancia o en una tarde ejerciendo de buenos tíos, padres o abuelos con nuestros pequeños en el cine. Sin embargo, la animación es más que eso, y durante las últimas décadas ha dado buena cuenta de ello, mostrando piezas ejecutadas para todo tipo de público. Género cinematográfico con una perspectiva tan lúdica como profunda, tan juguetona como madura, que no hace más que seguir sumando razones para no sólo confiar en él, sino para entenderlo como uno de los elementos conectores de grado más valorable y con mayor perspectiva de crecimiento.
La animación española es buen ejemplo de ello, por eso el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofíase hace eco de ello, ypresenta una alternativa a las grandes producciones internacionales, a través de un ciclo de cortometrajes de los 50 últimos años de la animación española. La nueva edición del ciclo de cine Museocinema propone, bajo el título Animación española. Un juego sin límites, hace un recorrido por la animación independiente en España hasta el 17 de marzo en el Auditorio Sabatini.
Desde Ballet burlón (1959), la pieza más antigua que se proyecta, hasta la recientemente estrenada Grand Prix (2011) hay una diferencia generacional de cincuenta años, en los que la animación ha registrado los cambios operados en la sociedad española.
El ciclo incluye los esfuerzos experimentales de los años 70 y 80 con obras como Homenaje a Tarzán y No sé, piezas más narrativas que reflejan el contexto social como Lasorpresa. Además, recoge las creaciones que nacieron a partir de la década de los años 90, con el surgimiento de las escuelas especializadas y toda una nueva generación de animadores independientes.
'Alma' de Rodrigo Blaas (2009)
Treinta cortos repartidos en los cuatro programas tematizan la materia en cuestiones como el cine de animación visto desde la perspectiva femenina (Animadas), la reflexión artística y sociológica (Imagen de lo irreal), el universo infantil de los cuentos (Érase una vez…) o las diferentes posibilidades del cine de género desde la textura de los objetos, el dibujo animado, hasta la creación digital (Materia viva). Más de una razón para mantenerse animado.
Sin duda, una magnifica muestra de la evolución, la calidad y el espíritu luchador de la animación en nuestro país, que podrá ser disfrutada cada sábado a las 17:30 gratuitamente.
El concepto de belleza es un término totalmente desprovisto de objetividad. Sino que se lo pregunten al estadounidense Alan Sailer de 54 años, que desde luego rompe con el cliché de la belleza intrínseca de las cosas, mostrando la otra cara de la moneda.
Sailer es un artista especializado en fotografías de alta velocidad de objetos, mientras son tiroteados o explotados. Utiliza un flash de alta velocidad casero construido por él mismo, con el que consigue fantásticas instantáneas de objetos que estallan o que impactan unos con otros. A la vez que apunta con su cámara, hace explotar el objeto que desea fotografiar, a veces con un rifle de aire comprimido y otras con un tubo a modo de bazooka con el que dispara todo tipo de proyectiles, generalmente utiliza pelotas de ping pong.
Una de sus temáticas favoritas es la comida: fresas, plátanos, huevos fritos, remolachas, filetes… Por tres razones: los alimentos contienen mucha agua que absorbe y transmite muy bien los impactos – generando explosiones fascinantes –, resulta un material barato, y además es fácil de reconocer. “Me he dado cuenta que a la gente le gustan las cosas que se puedan identificar” dice desde Estados Unidos.
En cada trabajo intenta hacer que sus fotografías impresionen, para ello trata de manera especial el escenario. Normalmente congela en nitrógeno líquido muchos de los alimentos que fotografía para obtener un efecto mayor, también suele rellenar con gel o pintura pequeños objetos.
Aunque esta línea de creación tiene sus desventajas, “las sesiones ensucian mucho másy atraen ratas. He tenido dos plagas desde que empecé con esta afición” asegura Sailer. Además, captar el momento justo de la desintegración no resulta nada fácil, ”si esperas demasiado, sacarás el caos total, una mezcla irreconocible de desechos. Si disparas demasiado pronto, las cosas parecen demasiado pacíficas. El equilibrio está en que haya suficiente destrucción para que veas qué está pasando, pero no demasiada para que puedas identificar el original“.
A pesar de esta exhibición de talento, Sailer no lo considera arte. “Es más imaginería comercial bien facturada“, afirma. No tiene intención de ganarse la vida con ello. “Requieren mucho trabajo, pero viendo el lado positivo, es más fácil que la fotografía de paisajes o de naturaleza, donde tienes que viajar y esperar un montón. Yo simplemente me meto en el garaje y hago explotar cosas”.
El fotógrafo no vende ni expone su obra, y lo que gana cediendo los derechos de sus imágenes digitales lo dona a organizaciones sin ánimo de lucro.
