Fecha: abril 16th, 2013 | Autor: Ángela Piedras | Archivado en: Actualidad, Plásticas | Tags: Centro de arte Canal Madrid, exposición, Fundación Canal, Pompeya | Sin Comentarios »
Aunque los temblores habían comenzado días antes, no creímos que fuera la señal de que se aproximaba el fin del mundo. El día amaneció despejado, pero no tardó en ir oscureciéndose. Antes del mediodía la ciudad ya se estaba adentrando en penumbras y del cielo los dioses, como dando fe de su castigo, comenzaron a lanzar cenizas y piedras que caían con fuerza sobre los tejados. Se cernía con violencia la mayor catástrofe que había tenido lugar en la historia y no cabía lugar para pensar en la manera de sobrevivir. Corrimos en bandadas, con lo puesto, abrazando a nuestros hijos para no perderlos en el camino. Algunos se demoraron, preocupados en esconder a buen recaudo sus más preciados bienes. También hubo quienes, confiados, optaron por resguardarse entre los muros de sus hogares, creyendo que allí estarían a salvo. Han llegado algunos navíos a la costa, alertados del peligro implacable que nos acecha. También esta nuestro amigo, el filósofo Plinio el Viejo, que ha acudido a socorrernos tan pronto como, a lo lejos, observó la tragedia. A nuestro alrededor la gente, exhausta, cae y es pisada por los que continúan corriendo, cegados por la desesperación. Desconozco si lograremos llegar a donde nos esperan…
El 24 de agosto del año 79 la erupción del Vesubio enterró bajo un amplio manto de cenizas y rocas volcánicas las ciudades de Pompeya, Herculano y Estabia. En cuestión de 48 horas, el volcán que ya llevaba días avisando de su presencia, cubrió por completo estas ciudades; pero no era la primera vez que protagonizaba una catástrofe de tal envergadura y, aunque ahora parece de nuevo estar dormido, nadie sabe cuándo volverá a despertar.
Hacia 1748, Carlos III, el Rey Arqueólogo, hizo posible el descubrimiento e impulsó las excavaciones de Pompeya, asentando las bases de la arqueología posterior al evitar que las piezas salieran de su lugar de origen.
De esta manera, ha sido posible que, dos mil años después de la erupción, el Centro de Exposiciones Arte Canal de Madrid exponga más de 600 piezas procedentes de las excavaciones de dichas ciudades y del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles. La disposición de los materiales, junto con una estructura acorde con la época que no hace sino apoyar el discurso de los audiovisuales, pretenden crear un ambiente en el que el visitante perciba que se adentra en una ciudad viva, tal y como era antes de la erupción, no en las excavaciones de una ciudad en ruinas, así como visualizar los trágicos momentos en los que el volcán comenzó a escupir lava violentamente.
© antiguaymedieval.blogspot.com.es
La exposición de gran variedad de objetos de uso cotidiano, joyas, pinturas e incluso la declaración de los hechos de uno de los testigos, Plinio el Joven, nos muestran cómo vivieron y perecieron los habitantes de una de las ciudades más ricas y prósperas de la región italiana de la Campania. Además de toparnos con una serie de elementos mucho menos comunes: restos orgánicos, figuras humanas que quedaron petrificadas bajo las cenizas, animales, huellas de los que huían del horror… Resulta muy difícil no estremecerse al observar los gestos de terror en los últimos instantes de vida de quienes no consiguieron escapar.
Y es que a veces olvidamos que es imposible luchar contra el poder de la naturaleza.
Pompeya, catástrofe bajo el Vesubio
Del 6 de diciembre de 2012 al 5 de mayo de 2013 en el Centro de Exposiciones Arte Canal
Puedes conseguir tus entradas aquí y leer más información aquí.
Texto: Ángela Piedras
Fecha: agosto 23rd, 2012 | Autor: Prensa | Archivado en: Fotografía | Tags: exposición, festival, Getxophoto | Sin Comentarios »
© Jonathan Hobin
Impulsado por el colectivo Begihandi, GETXOPHOTO es un festival de fotografía que transcurre en Getxo (País Vasco) y que apuesta por la utilización de formatos, soportes y espacios no convencionales para hacer circular las imágenes. Es un festival temático que trabaja de la mano de un comisario invitado cada tres años y que entiende la fotografía como una herramienta de conocimiento, comunicación y, por supuesto, goce estético.
GETXOPHOTO apuesta –sin abandonar los habituales– por la exploración y la experimentación de formatos y lugares expositivos, mayoritariamente espacios públicos. Ésta es una de sus principales señas de identidad. No se trata de adornar la ciudad sino de intervenirla para contar historias a través de imágenes especialmente elegidas. Utilizando desde fachadas hasta escaparates, pasando por contenedores, bares, patios o edificios, GETXOPHOTO quiere acercar distintas miradas a los ciudadanos y no sólo ubicar las fotografías como obras para ser observadas, sino generar emociones en torno a ellas: complicidad, cuestionamiento, vínculo entre las personas y las imágenes, vecinos y visitantes.
© Teresa Vlckoba
Sin olvidar a los autores de casa, GETXOPHOTO tiene una clara vocación internacional y al mismo tiempo es un festival que busca la implicación activa de la comunidad en donde se desarrolla. Por ello, además de su parte expositiva, el festival tiene un fuerte componente pedagógico y acoge talleres, visitas guiadas, presentaciones, proyecciones o conferencias.
Su interés no se circunscribe únicamente a la fotografía y por ello continúan apostando por trabajar conjuntamente con personas provenientes de otros campos. Son diseñadores de moda, arquitectos, editores, músicos, artistas o publicistas, que con sus aportaciones están contribuyendo a que este festival crezca y vaya más allá de lo estrictamente fotográfico.
© O Zhang
Enlaces relacionados:
Fuente: Getxophoto
Fecha: julio 6th, 2012 | Autor: Prensa | Archivado en: Actualidad | Tags: Daniel Schwartz, exposición, Fundación telefónica, Lu Nan, Matteo Basilé, Wang Guofeng | Sin Comentarios »
© Wang Guofeng
Ansiedad de la imagen, una exposición comisariada por Huang Du (Lintong, China, 1965), recoge la obra de 14 artistas procedentes de países tan lejanos entre sí como Suiza, Corea o Australia, quienes, con estilos y lenguajes propios, dirigen su mirada hacia un mismo foco: la ruptura total con los sistemas clásicos -sean estos políticos, económicos o sociales-, vigentes hasta hace apenas unas décadas, y el papel fundamental de la imagen como testimonio.
En efecto, se trata de imágenes tomadas en distintos paisajes que remiten sin embargo a un sentimiento común, un análogo estado de ánimo: el estrés, la violencia que el constante bombardeo visual e informativo produce en la psique del hombre. Imágenes que viajan a una velocidad quizá más rápida que la luz, transmitidas por las redes del mundo globalizado, que son recibidas por quienes las contemplan desprovistas de toda contextualización geopolítica, contribuyendo a un mayor desconcierto y a una necesidad ineludible de codificarlas.
Un mundo nuevo que incardina conceptos y usos colectivos desconocidos para las sociedades tradicionales, que transforma la manera de comunicarnos y los mecanismos necesarios para procesar la información recibida y que, por todo ello, produce desasosiego e inquietud.
Qué duda cabe que los múltiples sucesos acaecidos a nivel mundial en los últimos años han producido una serie de tensiones, de cambios vertiginosos e irreversibles, al igual que el florecimiento de nuevas sociedades, multiétnicas e interrelacionadas. El arte, en tanto que espejo de la realidad circundante, no puede mantenerse al margen. Y es en este punto en el que artistas como Wang Guofeng, Lu Nan, Daniel Schwartz o Matteo Basilé, entre otros, se han posicionando activamente ante los convulsos procesos acaecidos en sus lugares de origen para mostrar cómo los contextos particulares y la desazón que conllevan transcienden su naturaleza local para convertirse en un sentimiento global. Una ansiedad visual colectiva.
Ansiedad de la imagen, una muestra formada por 75 obras -70 series fotográficas, cuatro proyectos audiovisuales y una instalación-, constituye una oportunidad de gran valor que proporciona al público un amplio y variado espectro visual acerca de las respuestas de una serie de artistas, de su manera de entender y explicar algunas de las grandes incertidumbres de este siglo.
Fechas: Del 5 de junio al 5 de agosto de 2012
Lugar: Sala Comunidad de Madrid. Alcalá 31, Madrid
Fuente: Fundación Telefónica
Fecha: junio 13th, 2012 | Autor: Prensa | Archivado en: Actualidad, Plásticas | Tags: Edward Hopper, exposición, Museo Thyssen-Bornemisza | Sin Comentarios »
La exposición Hopper es fruto de un proyecto de colaboración del Museo Thyssen-Bornemisza y la Réunion des Musées Nationaux de France; dos instituciones particularmente representativas pues, por un lado, París y las obras del comienzo del siglo XX son referencias fundamentales para Edward Hopper en sus primeros años y, por otro, el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid alberga la colección más importante de su obra fuera de los Estados Unidos. A pesar de su gran popularidad y aparente facilidad, las obras de Hopper son uno de los fenómenos más complejos del arte del siglo XX, así lo consideran los dos comisarios de la muestra, Tomàs Llorens (Director honorario del Museo Thyssen-Bornemisza) y Difier Ottinger (Director adjunto del MNAM/Centre Pompidou). Para mostrarlo, la exposición estará organizada en dos partes: una primera mitad que recorrerá la formación del artista, aproximadamente de 1900 a 1924 y representada por un gran cantidad de bocetos, pinturas, dibujos, ilustraciones, grabados y acuarelas que dialogan puntualmente con obras de artistas como Winslow Homer, Robert Henri, John Sloan, Edgar Degas o Walter Sickert; y una segunda parte, a partir de 1925, que presentará su producción madura y que buscará ilustrar su carrera de la forma más completa y amplia posible. Para ello, esta sección combinará grupos temáticos -los motivos y temas más recurrentes en su trabajo- con una narrativa organizada cronológicamente.
Fuente: Museo Thyssen-Bornemisza
Fecha: febrero 28th, 2012 | Autor: Agencias | Archivado en: Actualidad, Plásticas | Tags: Arte, exposición, grabados, india, manuscritos, museo thyssen, pinturas, San Diego Museum of Art, thyssen | Sin Comentarios »
El Museo Thyssen de Madrid abre por primera vez sus puertas al arte oriental con la exposición ‘Visiones de la India’, un recorrido por la evolución de la pintura de este país asiático desde el siglo XII hasta mediados del XIX. La pinacoteca ofrecerá esta muestra hasta el 20 de mayo.
Más de un centenar de pinturas, grabados y manuscritos componen este conjunto, una selección que forma parte de la colección del San Diego Museum of Art de California y que ahora llega por primera vez a España. En total, la serie está formada por cerca de un millar y medio de piezas y fue creada por Edwin Binney.
Gracias a su carácter académico y enciclopédico, la muestra permite observar la historia del arte indio, su estilo tradicional y su capacidad para adaptarse y modificar sus técnicas, según ha destacado este lunes el director artístico del Thyssen, Guillermo Solana, durante la presentación.
La exposición está organizada en cuatro secciones y sigue un recorrido cronológico, empezando con algunos ejemplos tempranos de la iluminación de manuscritos de estilo autóctono, hasta mediados del siglo XIX, con el traspaso del poder del Imperio Mogol al Raj y el sistema británico de administración colonial.
Según ha explicado la comisaria de la exposición, Sonia Quintanilla, muchas de las obras que se exponen son representaciones en miniaturas ‘minúsculas‘, unos detalles minuciosos conseguidos a partir del uso de pinceles finos, compuestos a veces por solo dos pelos, y realizados con lupas, para permitir a los artistas plasmar cada rincón de los fondos y paisajes.
Solana, por su parte, ha señalado que esta muestra requiere una “conversión de la mirada” para “sumergirse en un mundo religioso y literario distinto”. Además, hace necesario un acercamiento físico, debido al tamaño de algunas piezas. Por ello, se facilitará una lupa a los visitantes con el fin de que puedan “apreciar los detalles”.
En palabras de Quintanilla, la primera galería muestra las piezas que los artistas indios elaboraban antes de que llegaran las tendencias extranjeras. De esta etapa destaca la “coherencia” en el estilo a través de las diferentes religiones.
Por último, se exhiben obras realizadas por artistas indios para los funcionarios comerciantes británicos vinculados a la Compañía de las Indias Orientales. En ellos se refleja el interés científico a través de ejemplos de flora y fauna, reproducidos con realismo.
Texto: Reuters
Fecha: diciembre 27th, 2011 | Autor: Raquel Castán | Archivado en: Actualidad, Plásticas | Tags: Arte, exposición, madrid, Martin Creed, premio Turner, Sala Alcalá 31, Things/Cosas | 2 Comentarios »
© Martin Creed
La
Sala Alcalá 31 de Madrid presenta desde mediados de diciembre
hasta el 26 de febrero de 2012 la nueva exposición de
Martin Creed: Things/Cosas el gran proyecto individual en España del artista británico, de la mano de la comisaria Carolina Grau. Donde se realiza un recorrido por los 20 años de trayectoria creativa del artista internacional, considerado como uno de los más interesantes de su generación. Creed empezó a destacar gracias a su obra
The light going on and off (La luz se enciende y se apaga): una sala blanca que se iluminaba a intervalos de cinco segundos, con esta obra ganó el premio Turner en 2001.
Ahora Madrid recoge 25 de sus obras a modo de esculturas, instalaciones, vídeos y dibujos, inspirados en objetos, palabras y sonidos de la vida diaria, en lo cotidiano. Creed está constantemente investigando la naturaleza básica de las cosas, creando un mundo de clasificaciones, categorías y excepciones inesperadas.
Read the rest of this entry »
Fecha: diciembre 13th, 2011 | Autor: Prensa | Archivado en: Noticias | Tags: exposición, Galería Fernando Pradilla, Sala de exposiciones | Sin Comentarios »
La Galería Fernando Pradilla presenta la última exposición de la temporada 2011, inaugurando la muestra colectiva “Lenguajes en papel 2012”, en la que participan los artistas Alejandro Bombín (Madrid,1985), Starsky Brines (Caracas, 1977), Juan Francisco Casas (Jaén, 1976), César Delgado (Madrid, 1961), Salvador Díaz (México D.F., 1977), Victoria Encinas (Madrid,1962), Emilio Gañán (Plasencia, 1971), Germán Gómez (Gijón, 1972), Moisés Mahiques (Valencia,1976) y Diego Vallejo (Salamanca, 1986). Todos ellos abordan desde lenguajes y técnicas propios las posibilidades expresivas de este soporte, no ya como sustento o estado previo a su trabajo, sino como la obra en sí misma, con entidad definida y trascendente.
Las obras que se agrupan en la muestra destacan por su diversidad temática y técnica. De esta manera, encontramos fotografías que conjugan impresión y dibujo en las obras de Germán Gómez; dibujos con bolígrafo Bic en los trabajos de Juan Francisco Casas; acuarelas en las composiciones de Alejandro Bombín; pastel y pintura industrial en las obras sobre papel de Starsky Brines; tinta china en las piezas de Victoria Encinas; óleo en los trabajos de pequeño formato de Diego Vallejo, en los de Salvador Díaz y en las Estampas intervenidas de Emilio Gañán; acrílico en el caso de César Delgado o lápiz y tinta en el de Moisés Mahiques. El papel es en todos ellos el eje a partir del cual se articula la composición, y la diversidad va desde el tipo hasta el gramaje: papel Somerset Velvet de 330 gr., papel Fabriano 240 gr., papel Canson blanco, entre otros.
La figura humana, abordada desde concepciones distintas y particulares, el paisaje y la abstracción de carácter lírico o geométrico, son los temas esenciales en las obras de los 10 artistas que participan en esta exposición, y transitan desde las lecturas críticas a la sociedad contemporánea, pasando por la recreación del arbitrio, el absurdo o el hedonismo, hasta los replanteamientos e indagaciones sobre la propia esencia pictórica y su léxico plástico.
Por su parte el Espacio Proyectos de la Galería Fernando Pradilla continúa presentando la exposición conmemorativa de su Décimo Aniversario, con la que realiza un recorrido a través de sus artistas representados e invitados por las diversas propuestas conceptuales, técnicas y lingüísticas que han conformado la Memoria de estos 10 años de búsqueda y trabajo de la Galería Fernando Pradilla en Madrid.
CLAUDIO COELLO, 20 MADRID 28001 (Spain) – Tel: (+34) 91 575 4804 – Fax: (+34) 91 577 6907 – Email: gfp@galeriafernandopradilla.es
Fuente: Galería Fernando Pradilla
Fecha: diciembre 12th, 2011 | Autor: Antonio Carralón López | Archivado en: Actualidad | Tags: exposición, Fotografía documental, Fotografía objetiva, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Tipologías | Sin Comentarios »
Cerrando una gira internacional y hasta el 8 de enero, el Museo de Bellas Artes de Bilbao propone una revisión de la exposición “New Topographics: Photographs of a Man-Altered Landscape” que en 1975 organizó la George Eastman House de Nueva York y que supuso la confirmación en el género de la fotografía de una nueva rama, la fotografía documental, objetiva. Las obras de nueve fotógrafos –Robert Adams, Lewis Baltz, Bernd y Hilla Becher, Joe Deal, Frank Gohlke, Nicholas Nixon, John Schott, Stephen Shore y Henry Wesse, Jr.– definieron un nuevo concepto de paisaje que, fascinados por los complejos industriales aparecidos tras la revolución industrial y las Guerras Mundiales, motivó una convicción estética básica diferenciada de la tradición romántica, centrada en naturaleza y humano. Según Hilla Becher, una de las máximas exponentes de esta forma de hacer fotografía: “La tecnología no necesita ser interpretada ya que se interpreta a sí misma. Sólo hay que elegir los objetos adecuados y enfocarlos con precisión, para que luego cuenten su propia historia.”
© Bernd and Hilla Becher (Alemania, 1931)
Esta revisión, según el Center for Creative Photography de la Universidad de Tucson, Arizona (EE. UU.) propone un análisis de la renovación estética del paisajismo fotográfico de finales de los años setenta a través de 141 fotografías, así como comprender su influencia en el arte conceptual, el land art y la arquitectura.
Texto: Antonio Carralón
Fecha: diciembre 8th, 2011 | Autor: Agencias | Archivado en: Actualidad | Tags: escultura, exposición, naturaleza | Sin Comentarios »
Grandes comunidades de plantas cubren e invaden amplias áreas del globo terráqueo dando cobijo a otros seres vivos, y no son nada más ni nada menos que los bosques. Esos lugares donde en más de una ocasión muchos hemos disfrutado de alguno de los momentos más relajantes, placenteros o incluso embaucadores de nuestra vida.
Quizá esto haya sido motivo suficiente para que once artistas llegaran a plasmar lo que artísticamente representa un bosque en sus vidas o en la de los demás. ‘Troncal. 11 miradas, un bosque’ es la exposición metafórica e inédita comisariada por Isabel Krug, que surgió a partir de una familia de olmos que iba a ser condenada a la hoguera. La propuesta creativa se afrontó de manera multidisciplinar para el deleite de los sentidos, como el que puede ofrecer un bosque a sus huéspedes.
Así, esa madera moldeada por la pintura, fotografía, escultura y literatura echa raíces hasta el próximo 29 de febrero de 2012 en la Sala Tondón del Ayuntamiento de Briñas (La Rioja). Sus artistas Ángel Achútegui, José Carlos Balanza, Rosa Castellot, Óscar Cenzano, Loli Fernández y Juan Ramírez, Demetrio Navaridas, Félix Reyes, Teresa Rodríguez, Carlos Rosales y Bernardo Sánchez, han conseguido de una manera exquisita prolongar la existencia de parte de ese bosque creando piezas únicas.
Ramas que se abren como una oración en un ejercicio de grafosis, un ejemplar que resurge de entre sus cenizas, referencias nítidas al sueño de un tronco, una crisálida de materia y cenizas, espacio para la edad, el sexo, naturaleza y artificio a través de un olmo, estructuradas en un ejercicio de prolongación espacial, tallado reflexivo sobre el círculo metafórico de la vida, piezas multiplicadas para acoger las palabras que conforman un poema de Machado, troncos divididos para abrazar la amistad y el amor, madera torneada a un poema desgajado. Once miradas que han hecho rebrotar un bosque.
Sin duda, todo un ingenioso proceso de redención colectiva y una propuesta sorprendente en sí misma.
Texto: Raquel Castán
Fecha: noviembre 16th, 2011 | Autor: Teresa Canive Maldonado | Archivado en: Actualidad, Noticias, Plásticas | Tags: climatología, exposición, Sala de exposiciones | Sin Comentarios »
'Cloud Car', por Andrea Polli.
El arte se transforma. Continuamente las expresiones artísticas cambian su forma y se adaptan al contexto de nuestra realidad más contemporánea. Así nace el llamado ‘arte meteorológico’ o ‘biotech’. Una corriente técnica en la que se refleja la preocupación de sus autores con el cambio climático y los desastres naturales que conlleva.
Andrea Polli, una de las intérpretes del arte de las nubes, las cascadas de luces y los grados centígrados, explica que “las condiciones climáticas y atmosféricas son fascinantes y realmente parecen ser algo invisible, pero, al mismo tiempo, son increíblemente potentes. Se trata de la utilización de medios estéticos con los que hablamos de nuestro medio ambiente”.
Y es que con esta nueva corriente artística se pretende representar en forma de objetos o sonidos tangibles los graves peligros que pasan desapercibidos en nuestro ‘día a día’, conceptos que son invisibles a nuestros ojos pero no a la naturaleza más débil.
Muchas de las obras de Polli se basan en un proceso llamado “sonificación” que se traduce en sonidos reales de silbidos o zumbidos. Para ello, esta artista nacida en la industrial Chicago, trabaja en colaboración con arquitectos, científicos atmosféricos y expertos en contaminación con el fin de examinar las relaciones entre los seres humanos y el cambio climático tanto local como global.
¿Se puede percibir la calidad del aire en una ‘simple’ cascada luminosa? Desde luego, cuesta imaginárselo. Pero ahora se puede visitar en el Parco de Arte Viviente (PAV) de Turín, un nuevo museo dedicado exclusivamente a las formas artísticas vivas, creado por Piero Gilardi, pionero del arte ‘biotech’ en Italia. Al sumergirse en la cascada o ‘Particle falls’ uno comprende que “la intensidad y rapidez del agua están directamente relacionados con los polvos sutiles esparcidos en la atmósfera”, explica el director artístico del centro Claudio Cravero. Su autora: Andrea Pelli, que expone sus obras a través de la colección ‘Breathless’ y hasta el 26 de febrero del próximo año en colaboración con Chuck Varga.
'Breather', por Andrea Polli.
En la exposición se pueden apreciar, además, ‘Breather’, un Quinientos italiano envuelto en una membrana transparente que funciona como un pulmón, y ‘Cloud Car’, que cuenta con un sistema nebulizador que visibiliza el aire.
No es la primera vez que se puede disfrutar de este espectáculo científico. Otros proyectos como “T2” (2006) proporcionan una exploración artística de la actividad real del océano gracias a los datos proporcionados de las olas y el viento, mediante webcams situadas desde la costa oeste de Estados Unidos y la costa este de Nueva Zelanda, con el objetivo, explica Pelli, de “aumentar la conciencia y apreciación de la belleza, del poder y de la importancia de los océanos en un mundo en constante calentamiento”.
'T2', por Andrea Polli.
Olafur Elisson, Darya von Berner, que creó una nube real en plena Puerta de Alcalá de Madrid, pulverizando microgotas de agua que permanecían en suspensión en el aire, Nathalie Miebach, que convirtió los datos meteorológicos en partículas musicales tridimensionales con la ayuda de la interpretación al piano de Elaine Rombola, o Aaron Koblin y Nik Hafermaas son algunos de los muchos nombres que encontramos en la pureza más artística de la climatología más simple.
Texto: Teresa Canive
