El próximo 8 de mayo verá la luz el noveno álbum de Najwa, ‘Donde rugen los volcanes’. Con este trabajo la artista retoma su relación bis a bis con el productor Raúl Santos, también conocido como SupercineXcene, tras haber trabajado en el proceso compositivo inicial junto al guitarrista Vicente Miñana (Uma).
Este nuevo disco evoca desde su propio título ecos exóticos y misteriosos bajo un manto electrónico inspirado en un techno de corte minimal, aunque de pasado acústico. Además, Najwa perservera en su decisión de cantar en castellano, algo ya puesto en práctica en ‘El Último Primate’ (2010).
La llegada de ‘Donde Rugen los Volcanes‘ vendrá precedida por el lanzamiento del single homónimo y la celebración de un concierto de presentación, con Najwa protagonizando uno de los gratuitos Vodafone Secret Shows, patrocinados por MySpace, el 13 de abril en la sala Joy Eslava de Madrid.
The Pains of Being Pure at Heart, Los Campesinos! y Sala & The Strange Sounds son las últimas confirmaciones delJack Daniel’s Music Day, que se celebrará el 20 de abril en el Madrid Arena. Se trata de la segunda edición de este festival, que este año viaja de Barcelona a la capital.
Además de las bandas citadas, en cartel se completa con Sidonie, La Habitación Roja, The Whip, That Girl With Dark Eyes Dj, Pin&Pon djs, Thug Ladies Djs y Ville Rowland Dj. Además, habrá una barbacoa para reponer fuerzas durante las más de siete horas que durará el festival.
Los Campesinos! presentarán en directo las canciones de ‘Hello sadness‘, el último disco de la banda, publicado el pasado año, mientras que los neoyorkinos The Pains of Being Pure at Heart volverán a la capital, después de actuar el pasado mes de enero.
Este evento musical y artístico contó el año pasado con las actuaciones de grupos como We Are Scientists, Nada Surf, I Am Kloot o Sr. Chinarro entre otros, que actuaron en el Estadio Olímpico de la ciudad condal.
Uno de los grupos más exitosos de las últimas décadas lanzará una canción inédita desde que en 1994 publicaran ‘Thank You For The Music’. Exacto, se trata del cuarteto sueco ABBA, que a través de una nueva versión de su álbum ‘The visitors’, también incluirá canciones adicionales y un DVD con material desconocido.
Tras varios éxitos conseguidos en las décadas de 1970 y 1980, la música del grupo, formado por Agnetha Faltskog, Anna-Frid Lyngstad, Benny Andersson y Bjorn Ulvaeus, no pasa de moda y va sumando adeptos año tras año. Gran parte de culpa la tienen el célebre musical y la lograda película posterior‘Mamma Mia’, en la que Meryl Streep interpreta de fábula cada una de las canciones de la banda bajo el contexto de las azuladas aguas griegas.
Según anuncia la web oficial de ABBA, el disco será lanzado el próximo 23 de abril. “Para los fans de ABBA, lo mejor de la edición será la canción inédita ‘From A Twinkling Star To A Passing Angel’ (demos)”, precisa el comunicado.
“Es la primera vez desde ‘Thank You For The Music’ en 1994 que ABBA (…) lanza música desconocida para el público de la época de mayor auge del grupo”, añade. El álbum ‘The Visitors’ fue lanzado originalmente en 1981.
Noches en Paris, jazz, bebida, un grupo de amigos, y jazz y más jazz, así definiría a ‘El Club de la Serpiente’, Julio Cortázar en algunos de los capítulos de Rayuela (1963). Quizá Rayuela fue escrito para sorprender, animando al lector a hacer su lectura de dos formas: la manera tradicional – orden cronológico –, o siguiendo la numeración que Cortázar indicaba al final del capítulo – como el popular juego infantil que da nombre a la obra –. Esta segunda forma de lectura incluía los “capítulos prescindibles”, que poco o casi nada aportaban a la trama original, puesto que eran poemas o recortes de periódicos; sin embargo, contribuían a extender la atmósfera mágica que rodeaba a sus personajes.
Lo que no sabía Cortázar es que habría una tercera, la manera que tuvo Pilar Peyrats Lasuén hace unos años.La editorial Satélite K recupera el libro-CD – editado en 2001 – que Pilar Peyrats realizó de un viaje por la banda sonora de esos encuentros que cuenta Rayuela. Y es que, el código narrativo de la obra es alcanzado por la música. Las referencias musicales salpican a parte de la trama de la obra, que además son objeto de disfrute y conversación de Oliveira, la Maga o Gregorovius – algunos de sus personajes – en el minúsculo piso del barrio Latino en el que se hacinan y se refugian del mundo. Entre las tapas del libro-CD resuenan temas clásicos del jazz de Lois Amstrong, Earl Hines, Bessie Smith o Frank Trumbauer.
Este formato toma el nombre de Jazzuela,y recopila los temas de jazz y blues a los que hace alusión Cortázar, junto con la cita de los capítulos de Rayuela en que aparecen. De igual modo que Cortázar estructura su novela, en Jazzuela se articulan las brechas y juegos estilísticos de este tipo de música, desde el jazz primitivo al bebop, pasando por las big bands.
Incluye los temas principales de la obra y dos más que, a pesar de no ser mencionados, sí estarían implícitos en la narración, en total 69 minutos de duración. Por su parte, el cuadernillo, consta de 144 páginas, en el que podemos encontrar los capítulos del libro, y una valiosa introducción y numerosos artículos sobre la vinculación del escritor con el jazz. Entre este material, una biografía musical en la que se nos explica la evolución del bebop , variación del jazz más tradicional que nació a principios de los años 40 en las jam-sessionsde los locales nocturnos de Nueva York.
Leer o escuchar una obra u otra, es adentrarse en un mundo donde en cualquier esquina o Café aparecerá la orquesta de Duke Ellington, sonará la maravillosa voz de Bessie Smith, reirá el inconfundible Louis Armstrong, se hincharán los mofeltes de Dizzy Gillespie, sonaran la guitarra y la voz de Bill Big Bronzy y el blues de Champion Jack Dupree, se respirará el sonido de Kansas City Six, relucirá el saxo de Coleman Hawkins, se afinará el piano de Earl Hines o entonará un saludo la orquesta de The Chocolate Dandies, entre otros.
“…el jazz es un pájaro que migra o emigra o inmigra o transmigra… es la lluvia y el pan y la sal“, decía Horacio Oliveira, el exiliado argentino.
Los miembros originales de la mítica banda The Beach Boys se reunirán en 2012 para celebrar el 50 aniversario de su formación y lanzar un nuevo disco y una gira mundial, informa su página web oficial.
Brian Wilson, Mike Love, Al Jardine, Bruce Johnston y David Marks llevarán a cabo 50 conciertos desde abril, mes en el que inaugurarán la gira con una actuación en el festival de jazz de Nueva Orleans.
Mike Love y Bruce Johnston, los dos únicos miembros de la formación clásica de The Beach Boys que continuaban en la banda, lo habían adelantado en julio en Madrid.
“Este aniversario es especial para mí, porque echo de menos a los chicos y será emocionante hacer un nuevo disco y estar sobre el escenario con ellos de nuevo”, dijo Wilson, que vuelve a trabajar con su primo Mike Love después de décadas de odio mutuo. Juntos producirán el proyecto.
Por su parte, Love confesó en una entrevista concedida al diario El país en el mes de julio: “Mi relación con Brian es realmente buena. Nos vimos hace un mes, grabamos cosas y hablamos de hacer canciones juntos. Hicimos… rehicimos algo. Tiene nuevas músicas y me pidió que escribiera letras para ellas. Es posible que haya un disco nuevo. No veo por qué no”.
“La música ha sido lo que ha unido y armonizado en nuestra familia desde que era un niño. Ha sido una enorme bendición poder compartirla con el mundo. ¿No estaría bien volver a hacerlo otra vez? ¡Absolutamente!”, añadió el compositor estadounidense.
The Beach Boys han grabado varias canciones para su nuevo álbum, que estará a la venta el próximo año a través de Capitol/EMI, aunque todavía faltan por completar algunos temas, según se explica en el portal.
El disco, aún sin título oficial, es el primero en el que trabajarán los miembros originales del grupo desde Still cruisin’, de 1989.
Asimismo The Beach Boys celebrarán el 50 aniversario de su formación con una nueva colección de sus éxitos y diferentes ediciones de su catálogo completo. La banda
The Beach Boys se formó en Hawthorne (California) en 1961 con la presencia de tres hermanos Wilson: Brian, Carl y Dennis, acompañados por su primo Mike Love y su amigo Al Jardine. Marks se unió en 1962, con 13 años, y abandonó el grupo un año después. Johnston ingresó en la banda cuando Brian Wilson decidió no ir de gira para centrarse en la escritura y la producción de los discos.
Roger Faxon, consejero delegado de EMI Group, dijo que “no es una exageración decir que The Beach Boys es uno de los mayores y más queridos grupos que ha visto el mundo”, y aseguró que sus integrantes son “unos verdaderos iconos americanos”.
El actor galés Anthony Hopkins, de 73 años, anunció hoy que cumplirá uno de los ‘sueños’ de su vida con la salida al mercado de un disco que recoge diversas composiciones de música clásica que ha creado a lo largo de su vida.
La obra, que saldrá a la venta el 16 de enero en Inglaterra, contendrá nueve piezas compuestas por el ganador de un Óscar por su interpretación en la gran pantalla del psicópata Hannibal Lecter.
La grabación del disco se realizó el pasado verano, cuando la Orquesta Sinfónica Ciudad de Birmingham (CBSO) interpretó la música de Hopkins en el escenario del Birmingham Symphony Hall.
El actor ya había mostrado su trabajo como músico en la banda sonora de dos de las películas que ha dirigido, ‘August‘ (1996) y ‘Slipstream‘ (2007), algunos de cuyos temas volverán a editarse en el nuevo disco.
“Soñé durante años que las ideas y las melodías que garabateaba en papeles acababan convertidas en trabajos que podía interpretar una orquesta, y ver ese deseo convertido en realidad es algo que me encanta”, dijo Hopkins en un comunicado de la cadena de radio británica Classic FM, que editará el disco.
El artista recibió clases de piano cuando era niño, a partir de los seis años, y aprendió las reglas básicas de la orquestación a través de enciclopedias musicales que atesoraba su padre.
Este mismo año, Hopkins ya vio cómo el violinista y director de orquesta holandés André Rieu incluía en su último trabajo una de las piezas que ha compuesto, ‘And the waltz goes on‘ (“Y el vals sigue adelante”).
Los días 15 y 16 de noviembre se celebró en el maravilloso auditorio del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid el III Foro de Industrias Culturales con un sugerente, creo que no para bien, lema: ¿A dónde vamos a parar? Por motivos de agenda y afinidad con el tema, yo asistí al debate sobre música moderado por Julián Ruiz, director del programa Plásticos y Decibelios así como de Videos y Decibelios, que compartió sillón con Héctor Fouce, profesor de Comunicación en la Universidad Complutense de Madrid y catedrático de músicas populares en el Conservatorio Superior de Música de Aragón, José Manuel G. Bravo, director Corporativo de Negocios de Derechos y de la Propiedad Intelectual de PRISA & Business Affairs, Lara López, directora de Radio 3 de Radio Nacional de España y Santiago Ricart, A&R Manager de Sony ATV Music Publishing.
En la ponencia introductoria, Héctor Fouce se declaró contrario a hablar de piratería ya que “venimos de la piratería y el tema de este debate es a dónde vamos” Hilando fino, aúnque esta piratería, inevitablemente, saliese después a la palestra en más de una ocasión, algo lógico teniendo en cuenta los contertulios con los que compartía escenario.
La venta de discos físicos o, cada vez más, muchísimo más, “todo más”, añadiría yo, sin formato. Los grupos siguen pensando en discos y no en canciones, giran para promocionar esos discos etc. Es la esencia, vaya.
La gestión de los derechos de la propiedad intelectual. Actualmente se paga más a las editoriales que a las discográficas y este cambio cultural junto con polémicas políticas como el canon digital o la ley Sinde han provocado que los ciudadanos se revelen e incluso salgan a la calle.
La gestión de los conciertos. Los soportes desaparecen pero queda el directo que es la principal fuente de ingresos para los artistas y como forma de compensación de las pérdidas sufridas en la venta de discos conviven viejas y nuevas fórmulas como los “festivales boutique” los macrofestivales, los pequeños recintos, los “do it youself” los “live in the living” etc.
La reflexión de Fouce a todo ésto fue que “Estamos en un periodo de gran generación de riqueza pero ¿estamos generando valor?”
Con este comentario en la retina, Julián Ruiz presentó la mesa de debate con una aportación a modo de respuesta a la pregunta de ¿A dónde vamos a parar? parafraseando a Tino Casal que en su día le dijo que estaba convencido de que la música se dirigía a ser hecha por los propios artistas a nivel ya no analógico o digital, sino neurológico, partiendo del propio cerebro sin instrumentos y defendiendo que ésta es absolutamente imprescindible.
Flanqueando al propio Julián Ruiz y dispuestos estratégicamente, aquí los más críticos con la industria, allí los más integrados en la misma, empezaron el debate, aquí Héctor Fouce y Lara López y allí José Manuel G. Bravo y Santiago Ricart defendiendo este último que “la industria musical somos todos” y que el futuro pasa por el monopolio de las grandes compañías y por movimientos como la reciente compra de EMI por Sony y Universal. Personalmente ya me chirrió la propia denominación del foro juntando las palabras “industria” y “cultural” que es como juntar “acorde” con “sordera“, pero este comentario, este deseo, ¡¡esta predicción!! me abatió hasta el punto de tener que sacarlo en la ronda de preguntas del final: En esa visión de futuro ¿dónde quedan las pequeñas discográficas y compañías? ¿Cómo van a llegar los pequeños grupos al gigante de la planta 35 del rascacielos? ¿Cómo va a poder verlos él desde tan arriba? El propio Santiago Ricart me respondió que no tenían por qué desaparecer y que ellos serían los responsables de que esos pequeños grupos fuesen visibles al gigante pero que, por otro lado, muchos de ellos ofrecían contratos más abusivos aún que los propios gigantes. No sé si realmente se creía lo que estaba diciendo pero a mí me dio miedito esa filosofía… El A&R Manager de Sony citó también la aparición del Compact Disc allá por 1979 como el principio de la crisis del sector ya que se puso en la calle un Master que podía ser copiado, entrando en debate con el derecho a compartir que proclamaba Fouce al principio. Personalmente no creo que haya que buscar culpables en los formatos, las cintas de cassette también eran Master y nadie las culpa ahora de nada. Lo cierto es que, y ésto lo citó también Héctor Fouce, cada vez más músicos asumen el nuevo modelo, algo que no hace la industria y es que ni es de recibo pedir una prestación a un chaval de 16 años por meter un sample de los Beatles en su ilusionante creación ni que la industria se haga con el derecho de a quién sí y a quien no samplear ya que son los propios artistas los que debería llevar ese control. Enmarcado en este debate sobre quién debe lucrarse, Bravo apuntó un interesante comentario sobre las compañías telefónicas que ofrecen 50MB de velocidad no para que los usuarios puedan leer su correo o navegar por la Web sino para que se puedan bajar más contenidos en menos tiempo. Por su parte, Lara López, directora de Radio 3, medio que tanto Ruiz como Fouce defedieron como el único libre para pinchar música con total libertad, culpó a los medios de no haberse sabido adaptar a los tiempos y rompió con la idea de que cuando un grupo crece no tiene por qué salir de Radio 3 para acabar en medios más potentes. Por último José Manuel G. Bravo, desde su sillón de defensa de la propiedad intelectual se lamentaba de que el 98% de los derechos de autor están siendo pirateados y argumentó que las sociedades de autores deben defenderlos como administradores de los creadores en aras de conseguir un nuevo consenso entre industria musical y público.
En definitiva, y en boca de los protagonistas del debate, ¿A dónde vamos?
Fouce cree que existe un terrible monopolio empresarial frente a pequeños movimientos donde hay menos caja y más creatividad.
Lara se siente optimista por su propia experiencia personal estos últimos 3 años en RNE cuando su expansión a la Web a través del Podcast les ha salvado.
Ricart se siente optimista también y cree que la música se va a democratizar habiendo acceso a la misma en cualquier momento desde cualquier lugar.
Bravo cree que los problemas que existen ahora mismo en torno a la propiedad intelectual se solucionarán con más propiedad intelectual.
Y por último, Ruiz, y yo, piensa que ocurra lo que ocurra con la industria, la música va a seguir estando allí, en cada casa, en cada esquina, dispuesta a ser disfrutada por unos agradecidos oídos entregados a seguirse emocionando con la magia.
Ya podemos disfrutar de parte de ‘Lulu’, el primer disco conjunto con diez temas entre Lou Reed y Metallica, antes de que se ponga a la venta el próximo 31 de octubre, a excepción de Norte América, donde lo hará al día siguiente.
Hasta hace tan solo un par de días, a penas teníamos a nuestro alcance el primer sencillo The View con el que podíamos hacernos una idea de cómo sonaría la voz del neoyorquino sobre las duras guitarras de Metallica. Ahora podemos seguir descubriendo esta mezcla gracias al streaming de 30 minutos con todos los temas de esta colaboración, a través de su web Lou Reed & Metallica.
Escuchando expresionismo
‘Lulu’ está inspirado en el escritor expresionista Frank Wedekind, un dramaturgo alemán, y, particularmente en sus obras ‘Erdgeist’ (‘El espíritu de la tierra’; 1895) y ‘Die B~chse der Pandora’ (‘La caja de Pandora’; 1904).
En ellas se narra la historia de una joven bailarina que ha sufrido abusos sexuales, sus relaciones sentimentales y los avatares de una vida en la que conoce el éxito y la riqueza y la pobreza más absoluta.
La obra inspiró, tal y como indican los músicos, una película muda con el mismo título y estrenada en 1929, la ópera de Alban Berg ‘Lulu’, de 1937, y, ahora, este trabajo conjunto del neoyorquino ex líder de Velvet Underground y los reyes del trash metal.
Composiciones previas de Reed
Según explican, Lou Reed había compuesto la música y las letras para una producción teatral en Berlín, pero “después de coincidir con los chicos de Metallica para los conciertos del Rock and Roll Hall of Fame de Nueva York en 2009, todas las partes implicadas supieron que querían hacer música juntos”.
En mayo de este año, los miembros de Metallica y Lou Reed entraron en los estudios HQ al norte de California, de donde salieron diez canciones cuyos nombres, que ya conocemos, se resumen en uno solo: ‘Lulu’.
Desde Talavera de la Reina y tras la publicación de su primer disco, ‘La Locura del Zurdo’ llega pegando fuerte. En su conquista española descubrimos los once temas que componen el álbum de nombre homónimo. Canciones que transmiten las más intimas emociones y vivencias de sus componentes.
Producido por Noel F. Sánchez y masterizado por Juán Hidalgo en Mastertips Studio de Madrid, este trabajo cuenta, además, con la colaboración de Pablo Alonso (Pignoise) y Vanesa Klein.
Esperanza, amor, cambio y sobre todo mucha energía positiva son los ingredientes con los que Rubén, Noel, Alberto y Felipe mezclan y al que agregan el sonido compacto de las bandas punk-rock norteamericanas con varias cucharadas de las melodías más frescas y sencillas de tararear. El toque de unos estribillos electrizantes que no dejarán de repetirse en tu cabeza.
En primer lugar enhorabuena por este primer disco, ¿Qué significó en vuestras vidas el 24 de mayo, día de lanzamiento del disco?
Rubén: Estábamos en el local de ensayo y lo celebramos. Teníamos muchas ganas de tenerlo, porque es un trabajo al que se le ha dedicado mucho tiempo. Prácticamente solo nos dedicábamos a grabar y a compaginarlo con el trabajo. Es algo muy esperado. Yo tardé dos días en creer me que estaba listo.
En un par de palabras, ¿cómo definís este LP?
Alberto: Heterogéneo. No son todas de la misma onda. Hay cañeras y románticas a la vez. Es el tipo de disco que a mi, particularmente, me gusta escuchar. Siempre con el sello del grupo pero hay mucha variedad.
Rubén: Queremos transmitir un mensaje de esperanza y de amor compaginado con una letras y melodías agradables dependiendo el momento. Es la banda sonora de la vida.
¿Cómo estáis testando la salida de vuestro primer disco?
Rubén: Estamos sorprendido, aunque sabemos que detrás hay mucho trabajo, en cuanto al servicio del manager, la agencia de medios, etc. Sabemos que estamos trabajando todos mucho para conseguir unos número que vayan subiendo día a día.
¿Qué tiene “Lo que vales”, para ser vuestro primer sencillo?
Rubén: La escribió Alberto y estaba claro que iba a ser esa el primer sencillo.
Alberto: Es una canción muy personal. La escribí pensando en esos momentos en los que una pareja pasa problemas que merecen una segunda oportunidad para corregirlos. Es una llamada positiva a la esperanza y al amor.
¿Cuales son vuestras referencias e inspiraciones al componer el disco?
Rubén: Entre todos hemos escuchado música muy positiva y alegre, que hace “mover”. Ese rock que es melódico pero muy positivo, además del reivindicativo. Principalmente bandas norteamericanas. A Felipe le gusta mucho Bruce Springsteen, a Noel le gustan las bandas con agresividad en la batería o más “metaleras” como metálica. A mi Bon Jovi, M Clan, Platero y tú, Fito, Bryan Adams y Axl Rose, entre otros.
Alberto: U2, Oasis, Coldplay, Killers, etc. Todos estos grupos unidos es nuestra música.
Son canciones cargadas de sentimiento y emoción, directas al corazón pero con mensajes muy positivos, ¿están basadas en vuestras experiencias? ¿En luchar hasta el final, quizás?
Rubén: El escribir canciones a base de nuestra experiencia es algo que queríamos desde el principio, ya que a la hora de interpretar lo haces verdaderamente de corazón. Yo lo siento cuando la gente te mira desde el público. Es algo más auténtico.
Alberto: Todas las canciones son trocitos nuestros.
En un principio, ¿a qué público va dirigido?
Alberto: Quizás por lo que hacemos sea para un público más joven. Pero una vez sacado el disco me estoy dando cuenta que también le está gustando a personas más mayores.
Rubén: Sabemos que la música es un negocio, un producto aunque la hagamos de corazón. Por eso, no es raro que le guste a un público mayor, como el padre que compra una golosina para él mismo. Son experiencias que todos hemos vivido, sean de la edad que sean.
¿Cómo han sido las colaboraciones con Pablo Alonso (Pignoise) y Vanesa Klein?
Rubén: Ha sido una experiencia bonita. A Vanesa la conocíamos ya de Talavera de la Reina y ha sido muy gratificante. Todo comenzó porque en un concierto se acercó a nosotros y nos dijo que le gustaba la canción interpretada por Alberto. Así fue como se ofreció a colaborar con nosotros.
Alberto: Con Pablo fue igual, el quería participar con nosotros y gracias a él ganamos el concurso Maqueteros y donde le conocimos. Le gustó la canción ‘Vete de aquí’ que fue la que usamos.
¿Con quién os gustaría colaborar?
Alberto: A mi con Amaral y con Juan. Me encantan.
Rubén: A mi ahora mismo, con Dani Martín, Pereza, M Clan. También siempre me gustó La Guardia y estuvimos a punto de colaborar con ellos. Y puestos a elegir, con Jon Bon Jovi o John Lenon, si pudiera.
¿Quiénes son La Locura del Zurdo? ¿Por qué “La Locura del Zurdo”?
Rubén: Aunque ahora es de todos, la iniciativa fue mía, y quizás por eso lo de ‘Zurdo’. Fue en 2008 cuando decidí formar mi propia banda después de mucho tiempo de arriba abajo con otros grupos. Elegí a sus componentes, compañeros de hace muchos años: el mejor batería, el mejor guitarrista y el mejor bajista, además de el mejor letrista y corista. Somos todos uno y estamos muy ilusionados.
Alberto: Rubén nos une mucho a todos y nos motiva. Es un buen líder y eso se nota.
Alberto: la crisis también ha llegado a la música y lo veo difícil, aunque nunca se sabe y mantengo la esperanza de que les gustemos a un público amplio.
Rubén: Estamos en un momento de cambio. Antes la herramientas eran otras, ahora hay que usar otros métodos. El cazatalentos se ha convertido en Internet, que es el escaparate que manda ahora mismo. En cuanto a ventas, no te dan de comer, ni ahora ni antes, a no ser que seas un cantante consagrado. Es la carretera y los conciertos lo que realmente te enriquecen.
¿Creéis que habéis encontrado ya hueco en él?
Rubén: Falta todavía. Aunque ya tenemos canciones para el segundo disco, aún falta un poco para encontrar ese hueco. La esencia seguirá siendo la misma, pero queremos darle una vuelta más. Ahora se ha perdido mucho la importancia de la figura del líder con tanto ‘Indie’ en el panorama. Por eso voy luchar para que eso no ocurra. Dani Martín, M-Clan y por supuesto Mick Jagger y Jon Bon Jovi son unos grandes líderes. Yo voy a ser el próximo gran líder.
Alberto: Es inevitable que nos comparen con otros grupos actuales, pero aún así nos van aceptando que tenemos nuestro punto de originalidad.
¿Cómo os veis en un futuro? ¿Cuáles son vuestras expectativas?
Alberto: Como banda hispanohablante, me gustaría “cruzar el charco” y tocar en Latinoamérica. Me conformo ahora mismo, con salir de gira y malvivir con la música. Poder dedicarnos solo ha la música. Y sobre todo que la gente te emociones con nuestras canciones. Particularmente, una chica me dijo en una firma de discos que se le cayó con la canción ‘Baby’.
En alguna ocasión habéis mencionado que vuestro disco es “un grito para una generación que busca el amor a través de una pantalla de ordenador”, ¿cómo describís la juventud de hoy?
Rubén: Está mucho más preparada y aprenden mucho antes todo gracias a Internet. Al fin y al cabo, es el futuro. Aunque sí que es verdad que nuestra generación es más fuerte por el hecho de buscarse la vida sin la facilidad que brinda la red. Pero, sobre todo, lo que más me va a doler va a ser que el CD desaparezca.
Alberto: Nuestros hábitos han cambiado mucho. Hoy la gente busca el amor por Internet. No se si será bueno o malo, pero nosotros nos centramos en destacar las pocas cosas que teníamos antes para divertirnos. En cierta medida, echamos en falta el salir a la calle a jugar, ir al campo, salir a ligar tal y como uno es, e incluso, hacerse heridas en las rodillas. Nosotros reivindicamos ese cambio.
¿Qué os gustaría proyectar a la persona que escucha vuestras canciones? ¿Cuál es la sensación que esperáis transmitirle?
Los dos: Amor, falta mucho en el mundo.
Por último, una serie de preguntas breves…
- Un grupo de música:
Rubén: Gans ‘n’ Rosells
Alberto: U2
- Una voz en solitario:
Rubén: Jon Bon Jovi
Alberto: Antonio Vega
- Una película:
Rubén: Grease
Alberto: Bailame el agua, dirigida por Josecho San.
- Un libro:
Rubén: El último sobre Bruce Springsteen.
Alberto: La sombra del viento, de Carlos Ruiz Zafón.
En el momento en el que se encuentra la ascendente trayectoria de Toundra supone un merecido regalo tocar en uno de los salones del Círculo de Bellas Artes de Madrid, un marco circular delimitado por una imponente fila de envejecidas columnas hacia los extremos, un marmoleado suelo hacia abajo y una elegante lámpara de araña hacia arriba. Ésto quizás podría chocar con la contundencia de los riffs de la banda y podría pensarse que igual sólo casase con el cello y el piano de Bizancio, la última canción de su último disco, II (2010), pero esta banda nos ha enseñado que la elegancia no tiene por qué confrontarse con la energía y demostró sobre el escenario de un otrora salón de baile que ni hay que poner puertas al campo ni, de ninguna manera, al talento.
Su concierto, tocaron junto con los Cuantos y Sou Edipo, fue tan intenso como en otras ocasiones desplegando un telón de ruido que parecía impenetrable. Desde la primera fila se les veía con un doble rasero pues aparecieron como unos tipos normales que podrían pertenecer perfectamente a tu grupo de amigos pero a través de sus armas, esos instrumentos que desgarrados y golpeados parecen sufrir como los personajes que ilustran la portada de su álbum, desplegaron una coraza invisible e imposible de atravesar; un campo de fuerza, una onda expansiva demoledora por un lado y absolutamente irresistible por el otro.
El próximo 8 de mayo verá la luz el noveno álbum de Najwa, ‘Donde rugen los volcanes’. Con este trabajo la artista retoma su relación bis a bis con el productor Raúl Santos, también conocido como SupercineXcene, tras haber trabajado en el proceso compositivo inicial junto al guitarrista Vicente Miñana (Uma).
